Der renommierte chilenische Keyboarder veröffentlichte vor Kurzem sein zwölftes musikalisches Werk mit dem Titel “Drei Stücke des Progressive Rock“ über das Label Mylodon Records – eine Aufnahme, die zugleich seinen Abschied von rockorientierten Projekten und seinen Eintritt in die klassische Musik markiert.
Obwohl für den stets rastlosen Keyboarder Jaime Rosas (Entrance) alles im Fluss zu sein scheint, brachte die jüngste Veröffentlichung von Drei Stücke des Progressive Rock ein unerwartetes “Bonus-Track“ mit sich: eine überraschende und endgültige Entscheidung.
Im März dieses Jahres veröffentlichte der produktive Musiker sein zwölftes Werk, ein Album mit fünf Kompositionen, das – entgegen seinem Titel – bis ins Mark vom Sinfonismus durchdrungen ist. Zudem wirkten zwei bekannte Musiker der chilenischen Progressive-Szene mit: der Bassist Braulio Aspe (Crisálida, Octopus) und der Schlagzeuger Fernando Jaramillo (Exsimio), der derzeit in den USA lebt.
Doch diese Aufnahme ist nicht nur ein weiteres Kapitel in seiner umfangreichen Diskografie, sondern auch eine Art Abschied vom progressiven Umfeld – ein Abschnitt, der als Beginn des Endes eines kreativen Zyklus in diesem Musikstil verstanden werden kann. Dieser wird zudem durch die Veröffentlichung von zwei weiteren Alben zwischen dem zweiten Halbjahr dieses Jahres und Anfang 2026 abgeschlossen.
Wie ein Buch, so sagt Rosas, habe er den Epilog seiner progressiven Schaffensphase erreicht – jedoch keineswegs den seiner Beziehung zur Musik. Mit derselben Überzeugung kündigt er an, dass seine musikalischen Projekte keineswegs enden, sondern vielmehr einen neuen Weg einschlagen: jenen der klassischen Musik.
Über all diese Aspekte sprach Jaime Rosas mit Juan Barrenechea Herrera in diesem Exklusivinterview.
Wir möchten dieses Gespräch mit deinen Eindrücken zu “Drei Stücke des Progressive Rock“ beginnen. Was kannst du uns über diese neue Aufnahme sagen? Was war die zentrale Inspiration für dieses Werk?
Jaime Rosas: Mein Zugang zur Musik erfolgte über die Komposition; meine Ausbildung ist klassisch. Das bedeutet, dass ich einer europäischen Tradition folge: Bach, Beethoven, Tschaikowsky (der von vielen als „europäischer als russisch“ betrachtet wurde), Mahler, Strawinsky (er war immer eher russisch als europäisch). Es überrascht also nicht, dass meine Inspiration für dieses Werk aus dieser Tradition stammt.
Vor einigen Jahren komponierte ich einen Zyklus für Klavier mit dem Titel „Progresiones para Piano“. Diese Werke hatten die typischen Merkmale dieser Welt: rhythmische Exploration, harmonische Entwicklung und allgemein eine klassische Sprache mit Elementen wie Fuge, Kontrapunkt, Dynamik usw.
Ich schrieb drei dieser Stücke und – wie so oft – ließ ich sie zunächst liegen, um sie später zu überarbeiten. Im vergangenen Jahr nahm ich sie wieder auf und beschloss, sie für ein Power-Trio zu orchestrieren: Keyboards, Bass und Schlagzeug. „Progresiones para Piano 2 und 3“ entsprechen Note für Note den Stücken Contrarobot und La Cueva del Mylodon. Nummer 1 wurde zu Reflexiones und zur Cueca Contemporánea. Und falls ein klassischer Pianist dieses Album mag: Bitte schreibt mir, ich gebe euch gern die Originalpartituren, damit ihr sie in euer Repertoire aufnehmen könnt.
Es gibt Werke, die man aufnimmt und kurz darauf gern verändern würde. Dieses Album ist das Gegenteil: Es ist ein reifes Werk, und ich bin zu 100 % zufrieden mit dem Ergebnis.
Man muss zugeben, dass das Album ausgesprochen gut klingt…
Gesegnete Technologie! Heute ist es vollkommen möglich, dass dein Home-Studio zu 100 % professionell klingt. Jeder Musiker nahm seine Spuren zu Hause auf, und ich übernahm Mix und Master im Opus 125, meinem Studio.
Der Klang des Schlagzeugs war entscheidend. Ich wollte mich dem Sound annähern, den wir beim Proben erzielen – ein recht besonderer Klang, völlig anders als live oder auf den meisten Alben. Bei einer Probe steht man nah beieinander, und das Schlagzeug klingt “schmutziger“, weil die Becken sehr laut sind.
Ein weiterer hervorzuhebender Aspekt ist zweifellos das Zusammenspiel mit den anderen Musikern des Albums – Fernando Jaramillo und Braulio Aspe. Wie entstand diese musikalische Zusammenarbeit?
Sie sind Musiker mit hervorragender Ausbildung. Nicht nur virtuos, sondern mit tiefem musikalischem Verständnis, was den gesamten Prozess sehr flüssig macht. Außerdem teilen wir die Liebe zum Progressive Rock, sodass wir eine gemeinsame Sprache haben.
Für die Aufnahmen schickte ich ihnen die Partituren, wir besprachen generelle Interpretationsaspekte, sie nahmen ihre Parts in ihren eigenen Studios auf – und fertig. Wir mussten nur einige kleine Anpassungen vornehmen; niemand brauchte mehr als zwei Takes. Es ist ein Luxus, mit ihnen zu arbeiten.
Dieses Album enthält komplexe Musik, und als Komponist konzentriert man sich oft mehr auf das Werk selbst als darauf, wie es gespielt wird. Aber sie können selbst die anspruchsvollsten Passagen spielen. Beide widmen sich zu 100 % der Musik. Braulio ist hierzulande eine Referenz – als Interpret und als Lehrer. Und Fernando tourt weltweit und spielt in mehreren Bands, nicht nur im Rock.
Kommen wir zur “Cueca Contemporánea“, die das Album eröffnet. Könnte man sagen, dass es sich um eine Art Hommage an Chile handelt?
Die Cueca – für alle, die es nicht wissen – ist der Nationaltanz Chiles. Harmonisch ist sie ziemlich einfach, aber rhythmisch sehr interessant. Zunächst wegen „las palmas“, den Klatscheinlagen auf den schwachen Zählzeiten, die der Musik einen besonderen Charakter verleihen. Und dann wegen der „vuelta“ der Tänzer, bei der das 6/8-Metrum für einen Takt in 3/4 übergeht, was einen sehr eigenartigen Atemzug erzeugt.
Diese rockige Cueca beginnt mit unserem Nationaltanz und verwandelt sich allmählich: zuerst in einen Kontrapunkt mit etwas Bach, dann in einen Blues, bis sie schließlich zum Cueca-Rhythmus zurückkehrt. Ich wollte so beginnen, weil es ein kurzes, direktes Stück ist, das die Grundlage für das restliche Album legt.
Sprechen wir über die längeren Stücke des Albums – “Contrarobot“ und das farbenreiche “Reflexiones“. Beide besitzen eine starke klassische Prägung. Welche Bedeutung hat die klassische Musik für deine musikalische Sprache?
Sie ist absolut zentral. Ich komme aus dieser Welt, und es ist die Sprache, die ich als Komponist spreche.
Um etwas Kontext zur musikalischen Sprache zu geben: Jaime Donoso beschreibt es in seinem Buch „Introducción a la Música en Veinte Lecturas“ sehr gut – Instrumentalmusik ist in ihrem reinsten Zustand autoreferenziell. Sie bezieht sich auf ihre eigenen Elemente: Rhythmus, Tempo, Tonhöhe, Textur, Timbre, Dynamik. Der Wert der Musik hängt davon ab, wie diese Elemente kombiniert werden. Wer sie versteht, erlebt die Musik viel tiefer.
Eine weniger tiefe Wahrnehmung basiert meist auf Emotionen – „es erinnerte mich an meine Jugend“, „es hat Kraft“, „es hat mich berührt“. Das ist gültig und sogar notwendig, erreicht aber nicht die Tiefe eines echten Verständnisses.
Beim Komponieren denkt man selten an etwas außerhalb der Musik. Deshalb spielt die Wahl des Titels eine andere Rolle. In der Filmmusik oder in der Programmmusik des 19. Jahrhunderts ist der Bezug zur Außenwelt klarer. Aber in den meisten Fällen könnte ein Instrumentalstück auch ganz anders heißen, ohne dass es jemanden wundern würde.
Das Klassische und das Moderne scheinen sich hier sehr organisch zu verbinden.
Wie gesagt, stammt die Musik dieses Albums aus einem Klavierzyklus. Bei der Orchestrierung von „Contrarobot“, also bei der Entscheidung, welche Instrumente welche Stimmen übernehmen, ließ ich bewusst einen Teil vom Computer spielen: Immer wenn wir das Stück als Power-Trio spielen, ist eine „robotische“ Sequenz dabei. Erst in diesem Moment wählte ich den Titel, weil ein ständiger Kontrapunkt zwischen Band und „Roboter“ entsteht.
Die ruhigen Passagen verweisen auf klassische Science-Fiction-Klangwelten: robotische Echos, mechanische Pulse, digitale Erinnerungen. Es gibt auch ein Zitat von „Karn Evil 9“ von ELP, das den Kampf zwischen Mensch und Maschine thematisiert und mit einer berühmten Moog-Sequenz endet, die suggeriert, dass die Maschinen gewinnen. Dazu kommen Asimovs Robotergesetze in spanischer und englischer Sprache, kombiniert mit menschlichen und robotischen Stimmen. Hier ergibt der Titel „Contrarobot“ wirklich Sinn.
“Reflexiones“ hingegen ist das Gegenteil – eines dieser Stücke, die auch “Auf meinem Fahrrad bergauf“ heißen könnten, ohne dass es etwas ändern würde. Es ist, wie du sagst, variantenreich: schwierige rhythmische Elemente, eine dreistimmige Fuge, ruhige Klavierpassagen und ein Hammond-Solo, das mir großen Spaß gemacht hat. Die Inspiration ist wieder klassisch, aber alles in eine progressive Rockästhetik übersetzt.
“La Cueva del Mylodon“ ist ein kraftvolles Stück mit starkem sinfonischem Charakter. Gibt es hier eine besondere Anspielung?
Als wir dieses Stück aufnahmen, trug es einen anderen Titel: “El Laberinto del Minotauro“, ein Hinweis auf die griechische Mythologie. Der Name sollte das Gefühl ausdrücken, immer wieder auf etwas zurückzukommen, etwas nicht abschließen zu können. Ab Minute 4:20 wächst die Musik in Komplexität und löst sich erst am Ende auf. Meiner Meinung nach ist es eine meiner besten Kompositionen.
Schließlich entschied ich mich, das Stück dir, Juan Barrenechea – dem Kopf hinter Mylodon Records – zu widmen. So entstand der endgültige Titel “La Cueva del Mylodon“, ein realer Ort im Süden Chiles, wo das urzeitliche Tier lebte. Der Namenswechsel ist ein Geschenk und ein Dank an dich für all die Jahre und Mühen, die du in das Label, ein Festival, eine Zeitschrift und unzählige Touren gesteckt hast.
Was kannst du uns über das Experiment in “Jazz.Prog.Mambo“ erzählen?
Ich habe Chick Corea immer bewundert, weil er mühelos zwischen Stilen wechseln konnte: traditioneller Jazz, spanische Musik, Latin, Jazzrock, klassische Einflüsse… vollkommen organisch.
“Jazz.Prog.Mambo“ folgt dieser Linie, und die Herausforderung besteht darin, daraus ein kohärentes Ganzes zu machen. Das gelingt vor allem dank Fernandos Arbeit am Schlagzeug; er verbindet die verschiedenen Stile ganz natürlich. Der Titel verrät zwar, worum es geht, aber etwas anderes ist es, es zu hören und zu verstehen, wie wir diese ungewöhnliche Mischung aufgelöst haben.
Es ist ein etwas leichteres Stück und steht am Ende des Albums, um dem Hörer eine Pause nach so viel komplexerer Musik zu geben. Und wir schließen das Album mit erhobenem Geist – fröhlich und leicht.
Da dies dein zwölftes Album ist und du daneben an anderen Projekten gearbeitet hast: Wie fällt dein persönliches Fazit all dieser Jahre aus?
Es war ein Weg, der mir nur Positives gebracht hat und ein grundlegender Teil meines Lebens war. Besonders in den ersten Jahren dieses Jahrhunderts gab es eine bemerkenswerte, nie wiederholte Synchronizität: eine extrem fruchtbare Phase für Progressiv-Rock in Lateinamerika, getragen von vielen Akteuren – Musiker, Radios, Printmedien, Labels, Festivals –, die gemeinsam ein echtes musikalisches Movement formten.
Wie könnte man die Festivals Baja Prog in Mexiko, Rio Art Rock Festival in Brasilien oder das Santiago Art Rock in Chile vergessen? Es gab zahlreiche Festivals, bei denen wir Musiker aus aller Welt trafen, oft vor ausverkauften Theatern mit einem Publikum, das neue Musik entdecken wollte. Ich hatte das Glück (und die Ausdauer), viele Alben aufzunehmen: vier mit Entrance (eins live) und bisher acht als Solokünstler. Es war ein langer Weg, der nun zu Ende geht.
Warum diese letzte Aussage? Stehen wir vor dem Abschluss eines Zyklus – oder dem Beginn eines neuen?
Ja, ich beende tatsächlich einen wichtigen Zyklus und kann dir verraten, dass ich nur noch zwei weitere Alben machen werde. Danach werde ich mich zu 100 % der klassischen Komposition widmen. Für mich ist das eine natürliche Entwicklung.
Im vergangenen Jahr schrieb ich ein Konzert für Marimba und Orchester sowie meine zweite Symphonie (die erste erschien auf meinem Solo-Debüt “Virgo“). Derzeit arbeite ich an einem sinfonischen Gedicht und an einem kurzen Werk für ein Perkussionsensemble.
In gewisser Weise kehrst du also zu deinen Ursprüngen zurück…
Ganz genau – ich kehre zurück, nur mit etwas mehr grauen Haaren. Und ich komme mit der Überzeugung zurück, dass es der richtige Weg ist, und dass ich genug gelernt habe, um dieses „Zurückkehren“ wirklich sinnvoll zu gestalten.
Wie werden diese beiden letzten Alben aussehen?
Das erste wird “Suite Progresiva“ heißen und orientiert sich stark an dem Stil, den ich bereits mit Entrance hatte – also klassischer sinfonischer Progressive Rock mit vielen Gesangsspuren, Gitarren, Keyboards, Bass und Schlagzeug. Dieses Album erscheint im September dieses Jahres. Mein letztes Album wird “Caminos“ heißen und umfasst all jene Stilrichtungen, die mir am meisten am Herzen liegen. Es besteht aus fünf Tracks: einem progressiven Power-Trio-Stück, einem Jazz-Standard, einem Streichquartett, einem sinfonischen Prog-Track und zum Abschluss ein poppig-progressives Stück mit der argentinischen Sängerin Solange Sosa. Dieses Album sollte Anfang 2026 erscheinen.
Ich möchte einige Jahre zurückgehen. Was kannst du mir über “One Silent Shout“ erzählen?
Es waren zehn Jahre Arbeit – von dem Moment, in dem mich die Inspiration (der Ruf) ereilte, bis zur Veröffentlichung des Albums. Die ursprüngliche Idee entstand im Juni 2007 am Flughafen von Atlanta, wo ich beobachten konnte, wie sich Soldaten von ihren Angehörigen verabschiedeten und in den Krieg zogen. Für jemanden aus Chile, dessen Verhältnis zum Krieg hauptsächlich über Fernsehen, Kino, Bücher oder das Internet geprägt ist, war das ein überwältigender, emotionaler und trauriger Moment. Und gleichzeitig war es eine unsichtbare Szene, denn die meisten Menschen nahmen gar nicht wahr, was ich sah – sie gingen einfach vorbei. Stell dir vor: 200 Soldaten – Männer und Frauen, jeden Alters, jeder Größe, jeder Hautfarbe – verabschieden sich von ihren Lieben, um ans andere Ende der Welt zu reisen und in einem Krieg zu kämpfen. Man muss nicht sehr scharfsinnig sein, um zu verstehen, dass einige von ihnen sterben würden und viele mit schwerem posttraumatischem Stress zurückkehren würden, der ihr Leben und das ihrer Familien prägen würde.
Ein tiefgründiges Leitmotiv, ohne Zweifel.
Das Leitmotiv von “One Silent Shout“ ist der Respekt vor dem Leben und die Odyssee eines Mannes, der seine Familie zutiefst liebt und die Welt ein Stück besser machen möchte. Es ist eine Rockoper von zwei Stunden und zwölf Minuten Länge, bestehend aus zwei Akten, jeder mit 14 Teilen. Sie beginnt – wie es sich gehört – mit einer instrumentalen Ouvertüre, anschließend treten die Sänger auf. Sie ist arrangiert für eine Rockband (Schlagzeug, Bass, Gitarren, Keyboards), ein Streichorchester, drei Solosänger und einen Männerchor. Der Schaffensprozess war sehr lang: Die Texte vollendete ich an meinem Geburtstag 2012 in Bucerías, nördlich von Puerto Vallarta in Mexiko. Die letzte musikalische Note komponierte ich im Mai 2017 in meinem Studio Opus 125 in Chile, während der Postproduktion. Es war ein äußerst erfüllendes Abenteuer, und ich bin sehr stolz auf das Endergebnis. Ich lernte außergewöhnlich talentierte Menschen kennen und wuchs definitiv als Künstler.
Erzähl uns mehr darüber, wie du diese musikalische Geschichte zum Leben erweckt hast.
Das war eindeutig keine Arbeit, die ich allein erledigt habe. Bei der Entwicklung der Geschichte habe ich zunächst viel recherchiert, um ihr Glaubwürdigkeit zu verleihen. Anschließend ließ ich mich von chilenischen Schriftstellern und Dramatikern beraten, die mir halfen, eine stimmige Handlung mit Figuren mit klaren Motivationen zu entwickeln. Als die Geschichte fertig war und ich erste Aufnahmen hatte, zog ich einen Produzenten in New York hinzu – und musste die Hälfte des bereits Geschriebenen neu machen. Unter anderem empfahl er mir “The Writer’s Journey“ von Christopher Vogler, ein grundlegendes Werk über mythische Struktur, basierend auf den Arbeiten von Carl Jung (Archetypen) und Joseph Campbell (Die Heldenreise). Absolut empfehlenswert. Erst nach all diesen Schritten stellte ich die finale Version der Geschichte erneut in Chile vor – erst dann genehmigte ich mir selbst diese Etappe. Dieser Prozess dauerte Jahre.
Musikalisch bestand die größte Herausforderung darin, ein gutes Team zusammenzustellen – Instrumentalisten und Sänger. Jaime Scalpello sang die Hauptrolle, seine Tochter Mariana den Part der Tochter des Protagonisten. Lua de Morais übernahm die andere Hauptrolle. Eine absolute Luxusbesetzung. Den Chor stellte ich mit befreundeten Musikerinnen und Musikern zusammen – und auch Nichtmusikern –, alle stimmfest und hochmotiviert. Ich übernahm die Chorleitung, vermittelte die Melodien und dirigierte die Aufnahmesessions. Das Album selbst ist ein absoluter Luxus: ein Doppelalbum mit einem 48-seitigen Booklet. Wir verkauften viele Exemplare in Japan, einige auf Bestellung in Chile, und ich ließ mehrere Kopien in New York bei meinen Promotionreisen.
Wie fällt deine abschließende Bewertung dieser Rockoper aus?
Musikalisch bin ich sehr zufrieden: ein guter Prozess, ein gutes Album. In meiner Weltsicht muss dieses Werk existieren, denn auch heute noch ist es normalisiert, Menschen in den Tod zu schicken. Ich glaube, dass das Leid des Krieges Kunst braucht, um verarbeitet zu werden – sonst wird das Schweigen des Traumas ohrenbetäubend. Was danach geschah, entsprach allerdings nicht meinen Erwartungen – nicht wegen des Werks selbst, sondern aufgrund äußerer Bedingungen. Ich habe diese Rockoper geschrieben, um sie live auf der Bühne zu sehen – und das ist bisher nicht geschehen. Ich war mehrmals in New York, um Kontakte zu knüpfen. Es gab Fortschritte, aber dann kam Covid und die Welt blieb stehen. Broadway ist extrem konkurrenzintensiv: wenige verfügbare Theater, viele davon gehören Disney und spielen ausschließlich deren Produktionen, andere zeigen Neuauflagen bekannter Werke wie “Les Misérables“, “Michael Jackson“, “Der Große Gatsby“, “Cabaret“ etc. Für völlig neue Stücke bleibt kaum Platz – und sie sind finanziell riskant. Es gibt buchstäblich Hunderte von Künstlern, die um einen Platz am Broadway, Off-Broadway oder sogar Off-Off-Broadway kämpfen. Um weiterzumachen, bräuchte ich ein Team, Ressourcen und hochrangige Kontakte, die ich nicht habe. Zusammenfassend: Mit diesem Werk habe ich etwas ausgesprochen, das gesagt werden musste, auch wenn es bis heute seine Bühne nicht gefunden hat. “One Silent Shout“ ist keine Rockoper über einen Soldaten – sie handelt von uns allen, wenn wir angesichts des Schmerzes schweigen.
Danach kam “Ikaro“, ein sehr spirituelles Album. Es wirkt wie ein vertontes Tagebuch, inspiriert vom Amazonas.
Ganz genau. Ich war im Februar 2015 im Amazonas, nachdem ich die erste Phase der Instrumentalaufnahmen von “One Silent Shout“ abgeschlossen hatte. Diese Reise brauchte ich, um mich neu zu verzaubern, neue Energie zu schöpfen und aus erster Hand zu erleben, dass das Leben magisch ist. Ich verbrachte mehrere Wochen im Dschungel nahe Pucallpa in Peru, an einem Ort, an dem eine jahrtausendealte Heiltradition der Shipibo praktiziert wird. Diese Kultur pflegt einen direkten Kontakt zur Natur, dessen Ursprünge vor rund 2.500 Jahren liegen. Die Shipibo heilen die Seele mithilfe von Meisterpflanzen, gesunder Ernährung und rituellen Zeremonien. Es waren extreme Wochen: extrem in ihrer Magie, Intensität, Liebe, Erkenntnis, in Leben, Optimismus, Tieren und Insekten. Wochen, die mich wachsen ließen. Ich kehrte mit gereinigtem Körper und gereinigter Seele nach Chile zurück.
Die Medizin der Shipibo führt zu einer Begegnung mit dem Unterbewusstsein. Sie stellt dich nackt vor deine Wünsche, Konflikte, Ängste, Träume und ungelösten Themen – und gibt dir zugleich Perspektive, diese zu bewältigen, so schmerzhaft der Weg sein mag. Die Schamanen besitzen die Fähigkeit, dich durch ihre Weisheit, ihre Verbindung zum Dschungel, die heilenden Pflanzen und die Íkaros – ihre heiligen Gesänge – durch diesen Prozess zu führen.
“Ikaro“ ist, wie du sagst, das Tagebuch dieser Reise. Es ist kein typisches Progressive-Rock-Album, da es nicht der harmonischen, rhythmischen oder melodischen Entwicklung des Genres folgt. Die Struktur entsteht durch Wiederholung – so wie die Íkaros in ihren Zeremonien: Jede Wiederholung enthält eine kleine aufsteigende Veränderung, die einem psychologischen und spirituellen Zustand näherkommen soll, der das Verständnis, die Konfrontation und die Lösung ermöglicht. Klanglich mischt das Album viel akustische Percussion mit elektronischen Sounds, um ein Gleichgewicht zwischen Dschungel und Technologie, Vergangenheit und Gegenwart, alter Weisheit und moderner Wissenschaft zu zeigen. Zu hören sind Sängerinnen und Sänger wie Lua de Morais, Loreto Chaparro (Sängerin von Matraz), Mariana Scalpello und der großartige Rodrigo Godoy, mein Weggefährte in zahlreichen musikalischen Abenteuern. Ein besonderes Werk in meiner Diskografie.
Kommen wir zur Musikindustrie: Was ist deine Meinung zu den verschiedenen Formaten? Hast du ein Lieblingsformat?
Meiner Meinung nach klingen Vinyl und CDs sehr gut – unterschiedlich, aber beide auf hohem Niveau. Ich besitze viele der Original-Vinyls jener Musiker, die in den 60ern und 70ern für dieses Format produzierten: Beatles, ELP, Genesis, Yes, Creedence, Zeppelin, Rick Wakeman, Kansas usw. Der Klang ist unglaublich. Das Format beeinflusst die Musiker: Damals komponierte und produzierte man bereits im Hinblick auf Klang, Dynamik und die Dauer eines Albums. Wenn man ein gutes Soundsystem hat, erkennt man die Unterschiede: Vinyl klingt wärmer, die CD hat mehr Dynamik. Letztlich sind es Feinheiten – und viele subjektive Wahrnehmungen. Modetrends spielen ebenfalls eine Rolle.
Und welchen Einfluss hat die Streaming-Ära auf die Musik im Allgemeinen und den Progressive Rock im Besonderen?
Den schlimmsten, im wahrsten Sinne des Wortes. Es gibt ein psychologisches Phänomen: Wir messen Dingen einen höheren Wert bei, die uns Mühe gekostet haben. Früher begann das Musikerlebnis damit, ein Album zu wollen, zu sparen, es zu kaufen, es in jeder Nuance zu hören, das Artwork zu genießen, die gedruckten Informationen zu studieren und es mit Freunden zu teilen. Heute genügt eine Fingerbewegung – und man hat Zugriff auf alles. Die Mystik ist verloren gegangen. Ich bedaure sehr, dass die neuen Generationen dieses tiefe Musikerlebnis kaum noch erfahren.
Hinzu kommt die heutige Tendenz zur Unmittelbarkeit: Alles muss schnell gehen, sofort wirken. Das hat auch die Musik selbst beeinträchtigt. Sting sagte in einem Interview, dass Popmusik heute einfacher sei, weil Lieder keinen “Bridge“-Teil mehr haben – jener Abschnitt, der Vers und Refrain verbindet. Alles muss sofort in den Refrain führen, die bekannteste Stelle des Liedes. Sonst langweilen sich die Leute, der Algorithmus empfiehlt dich nicht, die Streamingzahlen sinken. In klassischer Musik hingegen ist die Erfahrung eine völlig andere; bei Konzerten ist kaum jemand am Handy. Bei King Crimson oder Tool wurden Fotos verboten – und das vertieft die Musikerfahrung enorm. In einem Popkonzert wäre so etwas undenkbar.
Ein weiterer großer Nachteil: Die meisten Menschen hören Musik heute über das Handy, mit Kopfhörern oder mittelmäßigen Bluetooth-Lautsprechern. Das bringt zwei Probleme: erstens eine geringe Klangqualität; zweitens hörst du mit dem Körper nicht mehr mit. Auf einem guten System spürt man Musik physisch – der Klang trifft dich, und das ist eine andere Erfahrung. Auch die sinkenden Verkäufe physischer Tonträger sind ein schwerer Verlust.
Es gibt aber auch Positives: Neue Musik zu entdecken ist einfacher. Und für Liebhaber der klassischen Musik ist die Möglichkeit, unterschiedliche Interpretationen eines Werks zu hören, fantastisch. Apple bietet mit “Apple Classical“ einen herausragenden Service: Man findet Werke nach Titel, Komponist, Dirigent, Solist oder Orchester. Jede Symphonie hat zahlreiche Aufnahmen. Suche etwa Mahlers Zweite – es gibt 191 Versionen!
In diesem Zusammenhang eine Frage: Zwei deiner Alben – “Virgo“ (2003) und “Flashback“ (2011) – sind nicht auf den Plattformen. Warum?
Weil ich mit dem Endergebnis – klanglich – nicht zufrieden war. Der Sound dieser Alben ist meiner Meinung nach eine Barriere, die es schwer macht, die Musik wirklich zu genießen. Ich habe jedoch an beiden in letzter Zeit intensiv gearbeitet und werde sie dieses Jahr in ihren endgültigen Versionen veröffentlichen. “Virgo“, ein Album aus Samplern und Synthesizern, wurde komplett neu aufgenommen. Nach zwanzig Jahren technischer Entwicklung klingt es nun wesentlich besser, insbesondere die Symphonie – viel realistischer. “Flashback“ habe ich neu gemischt und einige zusätzliche Arrangements erstellt. Für “Primera Luz“, den 20-minütigen Full-Prog-Opener, nahmen wir die Drums neu mit Fernando Jaramillo auf. Beide Alben klingen heute deutlich besser, und ich arbeite an den finalen Details, um sie wie angekündigt dieses Jahr zu veröffentlichen.
Ich muss noch nach einem anderen Musikprojekt fragen: Entrance. Gibt es eine Chance auf eine Wiedervereinigung – oder ist dieses Kapitel abgeschlossen?
Es ist abgeschlossen. Eine wunderbare Etappe meines Lebens, mit großartigen Erinnerungen. Wir produzierten sehr gute Alben und spielten viel – darunter eine unvergessliche Tour in Mexiko. Eine Band langfristig zusammenzuhalten ist schwierig: Es funktioniert nur, wenn alle ein gemeinsames musikalisches Ziel teilen, wenn alle überzeugt sind, eine klare musikalische Vision zu verfolgen. Bei Entrance war das nicht der Fall.
Eine abschließende Reflexion für dieses Interview?
Ich musste an “Almost Famous“ von Cameron Crowe denken. Lester Bangs (gespielt von Philip Seymour Hoffman) sagt: “Die Musik, die wahre Musik, nicht nur Rock & Roll – sie wählt dich aus. Sie lebt in deinem Auto oder allein in deinen Kopfhörern, in den weiten Klanglandschaften und den himmlischen Chören in deinem Gehirn.“ Für mich deutet diese Idee darauf hin, dass Musik eine eigenständige Energie ist, die unabhängig von uns existiert und uns ruft. Für einen Komponisten ist dieser Ruf ein Auftrag, dieser Energie Form zu geben und sie in etwas Konkretes und Hörbares zu verwandeln. Für einen Musikliebhaber ist dieser Ruf eine persönliche Einladung, das Leben und die Welt durch eine unendliche Kunstform tiefer zu verstehen.
Das Interview führte Juan Barrenechea Herrera.
Alle Bilder: (C) Mylodon Records
www.mylodonrecords.bandcamp.com
