Aus einer unruhigen und zutiefst künstlerischen Perspektive hat Ubiks Schritt für Schritt eine eigene Identität innerhalb der chilenischen Progressive-Rock-Szene aufgebaut, in der klangliche Exploration, konzeptueller Diskurs und eine enge Verbindung zu anderen kreativen Disziplinen miteinander verschmelzen.
Seit ihren Anfängen verfolgte das Duo Ubiks, bestehend aus Mario Del Castillo (Keyboards, Programmierung, Atmosphären) und Reinhardt Schulz (Gitarren), das Ziel, Territorien zu erkunden, in denen Progressive Rock, Elektronik und inzidentelle Musik ineinandergreifen.
„Ciudad Sumergida“, ihr 2020 bei Mylodon Records veröffentlichtes Debütalbum, präsentiert sich als eine Reise durch Klanglandschaften, die zwischen ätherischen Atmosphären, umhüllenden Loops und sorgfältig ausgearbeiteten Progressionen wechseln.
Das Ergebnis ist ein Werk, das sich an der Grenze zwischen Ambient und Progressive bewegt, ohne sich in strenge Kategorien einordnen zu lassen. Der Einsatz von Klangschichten, räumlichen Umgebungen und fließenden Sequenzen lädt zu einer aufmerksamen und absorbierenden Hörweise ein, die der inzidentellen Musik oder dem Soundscape nähersteht als dem traditionellen Rock. Dadurch wird „Ciudad Sumergida“ zu einer klanglichen Erfahrung, die man nicht nur hört, sondern fühlt und imaginiert.
Wir sprachen exklusiv mit Mario Del Castillo und Reinhardt Schulz über das musikalische Universum von Ubiks, die ambienten Texturen ihres Albums „Ciudad Sumergida“ und die zukünftigen Herausforderungen der Band im folgenden Interview.
Wie entstand Ubiks und in welchem künstlerischen und musikalischen Kontext formierte sich die Band? Gab es von Anfang an eine progressive Intention oder entwickelte sich diese erst im Laufe der Zeit?
Mario: Ubiks entstand in einem Kontext gesellschaftlicher Unruhe und unmittelbar vor sowie während der Pandemie. Die Quarantäne eröffnete uns durch die Arbeit auf Distanz die Möglichkeit, Ideen weiterzuentwickeln, die wir bereits zuvor begonnen hatten. Diese Skizzen schienen einen musikalischen Körper zu formen, der sich deutlich von dem unterschied, was wir bis dahin mit Primavera Negra oder RadioStation gemacht hatten, und knüpften zugleich an frühere Duo-Arbeiten an. Diese neuen Demos hatten einen ambienten, elektronischen Geist und eine ruhigere kompositorische Haltung. Während der Pandemie konnten wir diese Ideen schließlich bis zu einem fertigen Produkt ausarbeiten. So entstand Ubiks – als Raum für Konzepte, die innerhalb von Primavera Negra vermutlich nie zur Entfaltung gekommen wären.
Reinhardt: Ergänzend dazu denke ich, dass es schon vor der Pandemie notwendig wurde, neue Klangräume zu erkunden. Primavera Negra ist ein sehr rockorientiertes Projekt, was zwangsläufig Proberaum, Bandbesetzung und hohe Lautstärken bedeutet. Mit Ubiks dachten wir an Musik für Installationen oder Ausstellungen mit audiovisuellen Komponenten – ein Feld, in dem wir beide bereits gearbeitet hatten. In diesem Kontext entstand auch die Idee, literarische Referenzen einzubeziehen. Zunächst trug das Projekt den Arbeitstitel Spring Station, eine Verbindung aus Black Spring (Primavera Negra) und RadioStation, die stilistisch bereits Vorläufer dessen enthielten, was später Ubiks wurde.
Mario: Eine explizite progressive Absicht gab es am Anfang nicht. Es ging eher darum, Soundtracks und elektronische Ambient-Landschaften zu erschaffen. Das Progressive – oder Post-Progressive, wie man es später nannte – entwickelte sich allmählich, mit der Ausarbeitung der Arrangements und Strukturen.
Der Name Ubiks verweist unmittelbar auf ein literarisches und konzeptuelles Imaginationsfeld. Welche Bedeutung hat er für euch, und wie steht er im Dialog mit der Ästhetik der Band?
Reinhardt: Die Inspiration aus der Science-Fiction-Welt von Philip K. Dick ist offensichtlich. Unsere Generation wurde stark vom Kino geprägt, und Blade Runner ist dabei ein Schlüsselmoment – nicht nur visuell, sondern auch klanglich. Die Musik von Vangelis und das Konzept der transsensorischen Wahrnehmung, wie es etwa Michel Chion beschreibt, waren zentral. Emotion entsteht nicht ausschließlich aus dem Bild, sondern aus dem Zusammenspiel von Bild, Klang und Musik – oft auf eine Weise, die sich nicht klar trennen lässt.
Mario: Uns faszinierte besonders der Roman Ubik und die transformative Kraft des darin beschriebenen Objekts. Das passte perfekt zu unserer Vorstellung von Musik als etwas Wandelbarem, Narrativem. Der Name erlaubte uns, uns von festen Stilvorgaben zu lösen und – wie die elektrischen Ubiks im Roman – zu werden, „was immer man gerade braucht“.
Welche Meilensteine waren entscheidend für die Konsolidierung des Projekts?
Reinhardt: Mario und ich haben an der Fakultät für Kunst der Universidad de Chile Fotografie studiert. Dort begannen wir zu experimentieren – mit chemischen Prozessen, Diaporamen und kleinen audiovisuellen Arbeiten, die bereits musikalische Elemente enthielten. Trotz technischer Einschränkungen – wir arbeiteten mit VHS-Kameras – entstand ein starkes Interesse an der Verbindung von Bild und Klang. Ein frühes Beispiel dafür war unser Kurzfilm Texto en una libreta.
Mario: Mitte der 2000er Jahre gaben wir einigen dieser frühen Aufnahmen einen neuen Impuls und veröffentlichten sie unter dem Projekt RadioStation. Das zeigte uns, dass in diesen Ideen ein Entwicklungspotenzial steckte, das später in Ubiks voll zur Entfaltung kam.
Welche Rolle spielt Progressive Rock heute für Ubiks – Genre, Sprache oder kreative Haltung?
Reinhardt: Für uns ist es vor allem eine kreative Haltung. Der Progressive Rock ist eine wichtige Referenz – King Crimson, Pink Floyd, Emerson, Lake & Palmer –, aber wir reproduzieren diese Modelle nicht. Der Begriff Post-Rock oder Post-Prog beschreibt unsere Position besser: Wir kommen aus dem Progressive, entfernen uns aber bewusst von seinen klassischen Strukturen. Wichtige Einflüsse sind Brian Eno und Talk Talk (Spirit of Eden), vor allem in ihrer Art, mit Räumen und Texturen zu arbeiten.
Mario: Diese Offenheit erlaubt es uns auch, Einflüsse aus nicht-musikalischen Bereichen einzubeziehen und Genregrenzen nicht als Einschränkung, sondern als Antrieb zu begreifen.
Wie verhält sich Ubiks zur Tradition des klassischen Progressive Rock und zu zeitgenössischen Ausdrucksformen wie dem sogenannten „Post Prog“?
Mario: Uns hat die Idee des Post-Prog stark beeinflusst, vor allem im Hinblick auf Steven Wilson – einen Musiker, der es versteht, eine Art klangliches Collage-Prinzip aus all seinen Einflüssen zu entwickeln und dieses perfekt zum Funktionieren zu bringen. Er verbirgt das nicht: Er ist ein außergewöhnlicher Techniker in seiner klanglichen Erforschung; die Songs sind für ihn eine Art Vorwand, um zu spielen und technische Lösungen auszuloten. In entsprechendem Maßstab versuchen wir etwas Ähnliches: unsere Einflüsse und klanglichen Ideen zu mischen, ohne bewusst zu imitieren, dabei aber klar zu zeigen, was wir musikalisch – und hoffentlich auch ästhetisch – ausdrücken wollen, als ein kohärentes Produkt aus Bild und Klang.
In einem Kontext beschleunigten Musikkonsums – welche Herausforderungen bringt es mit sich, ein langfristiges, konzeptuelles Projekt aufrechtzuerhalten?
Reinhardt: Das ist eine sehr interessante Frage. Man kann sie auch generationell beantworten: Wir sind mit dem Hören ganzer Alben aufgewachsen, mit dem Sammeln von Schallplatten, zu einer Zeit, in der Musik nicht allgegenwärtig war. Eine Vinylplatte zu bekommen war nicht einfach. Ich bin oft auf den Persa Bío-Bío gegangen, um gebrauchte Platten zu kaufen, und irgendwann schalteten ein Freund und ich sogar eine Anzeige in der Zeitschrift La Bicicleta, um mit Unbekannten Platten zu tauschen. Es ging immer um das Entdecken. Heute ist der Zugang zur Musik fragmentierter. Für uns bedeutete das: Seite A hören, dann Seite B – und wenn uns etwas umgehauen hat, hörten wir es so lange, bis das Album Teil unseres Lebens wurde. Das ist eine andere Art des Hörens, bei der die Musik ebenso wichtig ist wie das Coverdesign und das Konzept. Das ist unsere Schule.
Das Album „Ciudad Sumergida“ hat ein klares Konzept. Wir haben das Artwork selbst entwickelt, mit fotografischen Experimenten, und es besitzt eine dominante Farbigkeit. Es ist ein Konzeptalbum; der Titeltrack dauert acht Minuten – genau das ist der Stil, den wir suchen. Uns interessiert der Kontakt zu einem melomanen Hörer, der lange Stücke genießt, unabhängig von seiner Generation.
Mario: Musik dieser Art heute zu machen, ist fast so etwas wie eine Grundsatzerklärung. Es bedeutet, an der Idee festzuhalten, dass Dinge Zeit brauchen und dass Kunst immer auch etwas Ritualhaftes in sich trägt. Der Genuss ganzer Alben geht zunehmend verloren – und wir halten bewusst daran fest, dass diese Idee weiterlebt. Es ist ein kulturelles Konstrukt, das nicht verschwinden sollte.
In eurer Musik ist eine starke konzeptuelle und narrative Dimension spürbar. Woher kommt dieses Bedürfnis, Geschichten zu erzählen oder klangliche Universen zu erschaffen?
Reinhardt: Das Konzept „Ciudad Sumergida“ entstand aus einer Erzählung. Wir sprachen schon lange darüber, wie die Figuren und die Stadt aussehen sollten. Wir stellten uns das visuell vor, dachten an Animation oder 3D-Modelle, und letztlich haben wir dieses Konzept klanglich umgesetzt. Der narrative Einfluss ist deutlich; schon der Name Ubiks stammt direkt aus einem Zitat von Philip K. Dick und verweist auf das Universum, das wir erkunden wollen. Die Einflüsse kommen also nicht nur aus der Musik.
Mario: Der Aufbau eines Albums mit einer bestimmten Ordnung und Hörzeit braucht eine Struktur – man muss etwas zu erzählen haben. Ein Konzeptalbum ist ein Gespräch. Wenn wir uns darauf einlassen wollten, brauchten wir ein Fundament, und das fanden wir in einer Erzählung des chilenischen Schriftstellers Miguel Acevedo, eines engen Freundes von uns. Diese Idee existierte bereits seit den neunziger Jahren als Grundlage für ein Audiovisuelles Projekt, das damals nicht realisiert wurde. Die Beharrlichkeit führte dazu, diese narrative Basis wieder aufzugreifen und ihr eine musikalische Form zu geben.
Welche Rolle spielen andere künstlerische Disziplinen – Literatur, Film, bildende Kunst – im kreativen Prozess von Ubiks?
Reinhardt: Wir haben bereits über das erzählerische Universum gesprochen. Derzeit entwickeln wir ein audiovisuelles Projekt unter Einsatz von künstlicher Intelligenz. Wir experimentieren mit diesem Medium, um den Figuren und der Atmosphäre, die wir uns vorstellen, treu zu bleiben. Gleichzeitig suchen wir nach Möglichkeiten für immersiven Klang. Wir denken darüber nach, „Ciudad Sumergida“ in einer neuen Version mit Dolby Atmos zu realisieren – als Performance mit audiovisueller Projektion und Surround-Sound. Uns interessiert das Konzept der Klanglandschaft und der Filmmusik, jenseits einer reinen Stereo-Wiedergabe.
Glaubt ihr, dass Kunst – und insbesondere Progressive Rock – heute noch eine kritische oder reflektierende Rolle gegenüber der zeitgenössischen Realität spielt?
Mario: Meiner Ansicht nach trägt der zeitgenössische Prog – unter einer Oberfläche aus Virtuosität und teils hermetischen Codes – weiterhin klassische Themen in sich: politische Gewalt, Umweltprobleme, vor allem urbane Entfremdung, auch wenn das nicht auf den ersten Blick offensichtlich ist. Vielleicht fehlen mir Referenzen, aber ich habe den Eindruck, dass es sich eher um musikalische Reflexionen handelt, nicht um eine plakative Kritik an der Gegenwart.
Reinhardt: Als Menschen, die ständig Musik hören, empfinde ich Ambient-, elektronische oder progressive Musik oft als Soundtrack des eigenen Lebens. Ich bin Fotograf, und wenn ich im Labor arbeite, höre ich Alben, die Verbindungen und Erweiterungen von Empfindungen erzeugen. Das beeinflusst dein Leben – nicht unbedingt auf eine konkrete soziale oder direkte kritische Weise, sondern auf einer sinnlichen Ebene. Musik lenkt Gedanken und Wahrnehmung.
Ciudad Sumergida ist ein Album voller Atmosphären und Bedeutungen. Wie entstand die zentrale Idee des Albums, und was symbolisiert diese „Stadt“ für euch?
Mario: Die versunkene Stadt ist ein verlorenes Ideal, ein überrolltes Gesellschaftsmodell. In der Erzählung ist es wörtlicher: Die Stadt ist in Blut versunken, das sich in einen See verwandelt. Das ist eine direkte Anspielung auf historische Prozesse, die wir in unserem Land erlebt haben. Es steht für etwas Verlorenes, das wir nicht wiederfinden können – Metaphern für Erfahrungen, die wir gemacht haben und noch machen.
Reinhardt: Ich habe ein Drehbuch mit dem Titel Santiago Oculto geschrieben. Im Gespräch mit Mario stellten wir fest, dass es Überschneidungen zwischen diesen Texten und der Erzählung von Miguel Acevedo gab: Magier, Auftragskiller, Gewalt. Es ist die Gewalt der Diktatur der achtziger Jahre, literarisch verarbeitet, nicht panfletarisch, aber geprägt von der Erfahrung einer Generation. Die Figuren sind Killer, die diesen Ort zerstören wollen, der von einem Wächter beschützt wird. Es geht nicht um eine direkte Übersetzung der Realität, sondern um eine stilisierte Form. Auch das Motiv der „Retro-Technologie“ taucht auf – etwa ein Geldautomat, über den die Magier ihre Befehle erteilen. Alte Technologie mit dunklem Zweck: Science-Fiction, gespeist aus den Empfindungen einer realen Erfahrung an der Universität gegen Ende der Diktatur.
War das Konzept des Albums der Musik vorausgehend oder entstand es parallel während der Komposition?
Mario: Wir arbeiteten bereits an musikalischen Ideen und merkten, dass sie funktionieren könnten. Es war ein eklektischer Prozess: improvisieren, dann aus der Distanz bearbeiten. Alles entwickelte sich parallel. Wir komponierten bis zum letzten Moment der Mischung während der Pandemie – über Zoom. Der kreative Prozess spiegelte unser damaliges Leben wider.
Reinhardt: Wir begannen sehr persönlich, improvisierend. Die Pandemie veränderte alles: Jeder nahm isoliert zu Hause auf. Ich baute mir ein kleines Studio in meinem Fotolabor. Der Aufnahmeprozess war ruhig, fast therapeutisch. Ohne Zeitdruck oder teure Studiostunden konnten wir Details verfeinern, wiederholen, ausprobieren. Die Stücke verwandelten sich vollständig – oft überraschend. Es ist eine Arbeit mit großer Tiefe und vielen Klangschichten.
Man spürt einen subtilen Einfluss der Berliner Schule – stimmt ihr dem zu?
Reinhardt: Nicht bewusst, aber Krautrock hat uns geprägt. Wir hörten früh Walter Holland und machten sogar ein Cover. Später kamen Tangerine Dream, Klaus Schulze und die Elektronik der siebziger Jahre hinzu. Diese Musik war für mich sehr wichtig – ich hörte 120-Minuten-Kassetten damit, während ich in der Kunstschule handwerklich arbeitete. Das vergisst man nicht.
Mario: Da stimme ich zu. Auch ich hörte diese Musik während der Atelierzeiten. Besonders bei Tangerine Dream mochte ich ihre Filmmusiken, etwa zu Firestarter, einem B-Science-Fiction-Film der achtziger Jahre. Das ist eine der Einflüsse, die sich im Album deutlich widerspiegeln.
Klanglich bietet das Album dichte Atmosphären, introspektive Passagen und Momente der Spannung. Welche musikalischen Suchbewegungen haben diese Arbeit geleitet?
Mario: Jeder Track ist ein Teil der Erzählung. Wir wollten in jedem Stück eine andere klangliche oder atmosphärische Situation übersetzen. Es sind Etappen der Reise der Auftragskiller auf der Suche nach der versunkenen Stadt. Bewusst entschieden wir uns, die Reise umzukehren: zuerst durch die versunkene Stadt, dann wieder an die Oberfläche, in die Luft. Diese klangliche Kohärenz war uns wichtig.
Reinhardt: Es gibt eine Suche nach Einheit, aber auch nach Vielfalt: Pop-Elemente, Elektronik der siebziger Jahre, zeitgenössische Elektronik und experimentelle Passagen. Spannung wechselt sich mit soundtrackartigen Momenten ab. Es ist das Konzept der Reise. Der Begleittext des Albums spricht von einer Veröffentlichung in einer unvorhersehbaren, flüssigen und sich wandelnden Welt – das fasst alles gut zusammen.
Mylodon Records hat die Produktion des Albums übernommen. Wie war die Erfahrung, mit einem Label zu arbeiten?
Mario: Es war eine großartige und bedingungslose Beziehung. Wir befanden uns in einer Pause mit Primavera Negra, und Mylodon hat uns blind vertraut und uns den nötigen Impuls für die physische Veröffentlichung gegeben. Während der Pandemie organisierte das Label Online-Festivals, zu denen wir eingeladen wurden. Jetzt unterstützt es uns erneut und wartet auf das nächste Album von Ubiks.
Reinhardt: Der Dialog mit dem Label war sehr interessant. Dieser Austausch hilft dabei, unsere Ideen zu ordnen, denn es ist wie das Unterzeichnen eines Pakts: Indem wir erzählen, woran wir gerade komponieren, bauen wir unsere eigene Geschichte auf und müssen anschließend konsequent damit umgehen. Es ist ein gemeinsam getragener kreativer Prozess, der bereits mit der Entstehung des Albums beginnt.
Übrigens ist auch das Artwork des Albums sehr gelungen – sorgfältig ausgearbeitet, tiefgründig und suggestiv. Der bläuliche Farbton trägt stark zum Konzept bei.
Reinhardt: Es war eine Herausforderung, das Cover in Innenräumen zu gestalten, da wir uns nicht bewegen konnten. Ich habe mit Beleuchtungs- und Studiotechniken gearbeitet und dabei die Brechung und Reflexion des Lichts im Wasser genutzt, mit Diaprojektoren und Leinwänden. Ich habe eine handwerkliche Technik mit „achtzigerjahrehaften“ Spezialeffekten eingesetzt, und dabei sind interessante Ergebnisse entstanden. Es ist eine Suche, die mit dem Konzept des Albums kohärent ist.
Mario: Die Referenzen reichten von Unterwasserfotografien aus dem Pazifik bis hin zu Bildern von Breccia. Wir haben uns einen Inspirationskatalog aufgebaut. Die technische Entwicklung ergab sich nach und nach, und wir wählten Details aus größeren Bildern aus, die mehr Ausdruckskraft hatten. Wir arbeiteten mit Werkzeugen der Achtzigerjahre, aber mit einem zeitgenössischen Blick auf die Bearbeitung und darauf, was letztlich im Packaging und in der Grafik landen sollte.
Ihr seid auch an anderen musikalischen und künstlerischen Projekten beteiligt, wie Primavera Negra und RadioStation. Wie stehen diese parallelen Erfahrungen zur Identität der Band, und worin unterscheiden sie sich?
Mario: Primavera Negra ist rockiger, lauter und viszeraler, weniger kopflastig als Ubiks. Die Arbeit und Spannung zwischen vier Personen macht es zu etwas ganz anderem als die Arbeit als Duo.
Reinhardt: Bei Primavera Negra ist der Einfluss eher klassischer Rock, etwa Frank Zappa. Die Haltung war physisch – Proberaum, mit Freunden spielen. Ubiks ist ein viel stärker kopflastiger Prozess, geprägt von Distanz und der jeweiligen Zeit. Die Dynamik ist vollkommen anders.
Mario: Das andere Projekt, RadioStation, ist eine Studioarbeit, die bisher noch nicht live gespielt wurde. Es ist ein Experimentierfeld mit vielen Einflüssen, von Noise über Ambient bis hin zu elektronischer Musik in der Linie von Orbital oder Adam Freeland.
Bereichern diese externen Projekte den Sound von Ubiks, oder fungieren sie als unabhängige Experimentierräume?
Reinhardt: Musik zu machen bereichert immer auch andere Bereiche. Mit anderen Musikern oder Genres wie Jazz-Fusion zu arbeiten, eröffnet neue klangliche Möglichkeiten. Manchmal komponiere ich etwas und weiß sofort, dass es für Primavera Negra ist – wegen seines Geistes –, und ein anderes Mal ist klar, dass es zu Ubiks gehört. Mehrere „Schubladen“ zum Erkunden zu haben, sorgt dafür, dass sich die Projekte gegenseitig befruchten. Bestimmte Aspekte meiner Persönlichkeit als Gitarrist übertragen sich, aber mit unterschiedlicher Intention.
Mario: RadioStation ist reine Exploration. Man entdeckt manchmal eine Methode oder Technologie, die man später in anderen Projekten einsetzt. Das Komponieren für jedes Projekt stellt unterschiedliche Anforderungen. Primavera Negra erfordert aufgrund seiner Intensität viel Postproduktion, während Ubiks fließender ist, weil es von Anfang an Arbeitsformeln und eine klare Richtung gibt.
Wie befindet sich Ubiks heute als Band – sowohl kreativ als auch menschlich?
Reinhardt: Ich bin in Santiago und Mario in Puerto Varas, weshalb wir vorerst weiterhin als Studioprojekt auf Distanz arbeiten. Wir haben ein gutes Feeling, das aus dem gegenseitigen Kennen und dem Respekt für den kreativen Raum des anderen entsteht. Wir befinden uns in einer sehr guten Phase und haben ein zweites Album bereits weit vorangetrieben.
Arbeitet ihr an neuem Material oder an einer Erweiterung des konzeptuellen Universums von Ciudad Sumergida?
Mario: Es ist neues Material, ein neues konzeptuelles Universum, das eine geografische Kontinuität zum vorherigen herstellt. Wir hoffen, dass man beim gemeinsamen Hören beider Alben erkennen kann, wie sich das Projekt weiterentwickelt, um eine neue Geschichte zu erzählen.
Reinhardt: Das neue Album trägt vorläufig den Titel Horizonte Cenital. Die Reise von Ciudad Sumergida hat uns in der Luft zurückgelassen, weg von der Erde. Es ist ein Übergang von der Luft zum Feuer, als kritischer Blick auf den Zustand des Planeten und aktuelle Konflikte.
Welche Herausforderungen und Motivationen seht ihr für die Zukunft des Projekts?
Reinhardt: Wir sind motiviert durch neue Technologien und immersiven Sound. Aber wir wollen auch spielen – wir möchten nicht, dass es nur ein Fernprojekt bleibt. Wir wollen zusammenkommen und die Erfahrung mit mehr Menschen teilen, im Süden, in Santiago und hoffentlich auch in anderen Ländern.
Wie nehmt ihr die chilenische Progressive-Rock-Szene heute wahr?
Reinhardt: Ich empfinde sie als Underground. Wir kennen sie, weil wir im Label arbeiten und viele Musikerfreunde haben, aber in den Massenmedien stößt man kaum darauf. Es ist eine lebendige Szene mit talentierten Bands, die jedoch unter der Oberfläche stattfindet. Interessanterweise hat sie außerhalb Chiles mehr Wirkung – wir werden von Leuten aus Japan und verschiedenen europäischen Ländern gehört.
Ist sie tatsächlich eine Insel innerhalb des stilistischen Universums? Viele Fans und Fachmedien halten den chilenischen Progressive Rock für etwas sehr Eigenständiges.
Reinhardt: Das ist schwer zu beantworten, weil es eine große Vielfalt gibt. Es gibt Bands, die sich stark an bestimmte Stile halten, und man erkennt ihre Einflüsse deutlich. Mich interessiert es besonders, wenn man kein einfaches Etikett anbringen kann. Bei Mylodon erscheinen viele chilenische Veröffentlichungen, die aus dem Schema ausbrechen. Wir versuchen nicht, ein Label zu bedienen, sondern zu experimentieren und uns generell mit Kunst zu verbinden. Das Label gibt uns die Freiheit, ohne traditionelle Grenzen zu arbeiten.
Mario: Kreative Freiheit ist entscheidend. Vor Jahren, als wir versuchten, Primavera Negra zu verbreiten, hatte ich das Gefühl, dass es viele abgeschlossene Szenen oder Kollektive gab, die sich nur selbst für spezifische Genres bewarben. Bei Mylodon gibt es Offenheit für Projekte, die nicht strikt dem „talentierten Prog“ in der Linie von Tool entsprechen. Es ist gut, dass es diesen Raum ohne stilistischen Chauvinismus gibt.
Ein abschließender Gedanke für unsere Leserinnen und Leser?
Reinhardt: Wir sollten zu unseren Ursprüngen zurückkehren. Wir kommen aus einer Kunstschule und nähern uns der Musik aus einer audiovisuellen und visuellen Perspektive. Das erlaubt uns, weniger strukturiert zu sein und aus der eigenen Experimentierpraxis zu lernen. Ubiks vereint literarische Welten, Science-Fiction und klangliche Experimente – das ist das Universum unseres kreativen Prozesses. Mario: Wir müssen uns die Fähigkeit zum Staunen bewahren und uns Zeit zum Zuhören nehmen. Wir hoffen, dass wir mit neuen Formaten immersiver Erfahrungen dieses verlorene Intervall zurückgewinnen können – dieses Ritual der Wahrnehmung gegenüber musikalischen und audiovisuellen Werken.
Das Interview führte: Juan Barrenechea Herrera
