Seit mehr als zwei Jahrzehnten entwickelt Bjørn Riis ein Werk, das von Introspektion, melodischem Feingefühl und seinem anhaltenden Interesse an jenen emotionalen Landschaften geprägt ist, die sich unter der Oberfläche menschlicher Erfahrungen verbergen.
Sowohl mit Airbag als auch auf seiner zunehmend persönlichen Solodiskografie hat der norwegische Musiker eine eigene musikalische Sprache entwickelt, in der Erinnerung, Verlust, Einsamkeit und die Suche nach Sinn zusammenfließen. Seine Kompositionen mit ihren eindringlichen Atmosphären und ihrem ausgeprägten filmischen Charakter laden dazu ein, sich Gefühlen zuzuwenden, die sich nicht immer unmittelbar in Worte fassen lassen.
Seine Musik scheint in jenem unbestimmten Raum zwischen Traum und Wirklichkeit zu leben, in dem Erinnerungen neue Formen annehmen und die vom Klang hervorgerufenen Bilder mit den persönlichen Erfahrungen der Hörenden verschwimmen. In diesem Bereich werden Gitarren, Stille und dynamische Wechsel zu Bestandteilen einer Erzählung, die sich geduldig entfaltet, ohne ihr Ende zu überstürzen.
Mit Lifandi erkundet Bjørn Riis diese innere Welt weiter und eröffnet neue Perspektiven auf Identität, Sterblichkeit, den Lauf der Zeit und Veränderung. Das Album greift einige der Fragen auf, die sich durch sein Werk ziehen, lässt zugleich aber erkennen, wie sich sein Songwriting weiterentwickelt – sowohl im Umgang mit Emotionen als auch im Aufbau von Klangwelten, die zwischen Zerbrechlichkeit und Intensität schwanken.
Lifandi ist als Hommage an die Livealben der Siebzigerjahre konzipiert, die seine musikalische Entwicklung geprägt haben, und bringt zugleich die Energie und Spontaneität seiner Kompositionen auf der Bühne zurück.
Das während einer Europatournee im Jahr 2025 aufgenommene Mini-Album enthält vier Live-Interpretationen, die neue Nuancen gewinnen, darunter „Gone“ und das ausgedehnte „Fimbulvinter“. Die Veröffentlichung hat auch eine persönliche Bedeutung, denn sie ist Ace Frehley gewidmet, dem Kiss-Gitarristen und einem der musikalischen Vorbilder von Riis, der am selben Tag starb, an dem der Auftritt aufgenommen wurde. Die instrumentale Intensität und das Zusammenspiel der Musiker eröffnen einen anderen Blick auf diese Kompositionen und zeigen eine Seite seiner Musik, in der die Spontaneität der Aufführung mit der emotionalen Tiefe zusammengeht, die seine Arbeit auszeichnet.
Diese kreative Unruhe fand in Divergence einen neuen Ausdruck. Die EP erweitert den Horizont seiner jüngsten Veröffentlichungen und macht eine weitere Facette von Riis hörbar. Statt Formeln zu wiederholen oder zu lange in einem einzigen Klanggebiet zu verweilen, erkundet er neue Möglichkeiten und bewahrt dabei eine unverwechselbare musikalische Identität.
Die Gitarre bleibt zentral, doch erst das Zusammenspiel von Melodien, Klangtexturen und kompositorischer Entwicklung prägt den Charakter dieser Veröffentlichung. Jedes Element trägt zu einer Klanglandschaft bei, die sich organisch entfaltet und zugleich der melodischen Sensibilität treu bleibt, die sein Werk durchzieht.
Der Titel Divergence verweist auf die Möglichkeit, Abstand von einem vertrauten Weg zu gewinnen und neue Pfade einzuschlagen. Dieser Gedanke spiegelt sich in einer Arbeit wider, die neue Nuancen erkundet und die Grenzen von Riis’ musikalischem Ausdruck erweitert, ohne dessen Identität aufzugeben. Statt seine Diskografie als Abfolge abgeschlossener Phasen zu betrachten, lässt sie sich eher als fortlaufender Prozess verstehen. Persönliche Erfahrungen, unbeantwortete Fragen und die eigene musikalische Entwicklung nähren eine Suche, die sich nicht in einem einzigen Album erschöpft.
In diesem Gespräch denkt Bjørn Riis über die Ursprünge von Lifandi, die Beweggründe hinter Divergence, die verschiedenen Kapitel seiner Solodiskografie und die Entwicklung von Airbag nach – ebenso wie über die kreativen Impulse, die seine Musik weiterhin prägen. Wir sprechen auch über das Verhältnis von Klang und Erinnerung, über die Ideen und Erfahrungen, aus denen seine Kompositionen entstehen, und über die Möglichkeiten, die Musik in einer Zeit behält, die von Geschwindigkeit und einer überwältigenden Reizfülle bestimmt wird.
Hier könnt ihr lesen worüber Juan mit Bjørn gesprochen hat:
Ich möchte mit etwas sehr Persönlichem beginnen. Nach mehr als zwei Jahrzehnten, in denen du Musik geschrieben, Alben aufgenommen, auf der Bühne gestanden und ständig neue Gebiete erkundet hast: Wie erlebst du diesen besonderen Moment in deinem Leben und deiner Karriere? Was beschäftigt dich derzeit? Die kreative Unruhe und der Wunsch, immer weiterzusuchen, scheinen stets ein wesentlicher Teil deiner künstlerischen Identität gewesen zu sein.
Der Drang, etwas zu schaffen, ist immer da, und ich habe gern mehrere Projekte gleichzeitig am Laufen. Ich nehme an, das ist sowohl eine Art Flucht als auch etwas, das mir hilft, den Verstand zu bewahren. Die Arbeit an meinem letzten Album Fimbulvinter war emotional erschöpfend, deshalb brauche ich jetzt etwas anderes – sowohl mit Airbag als auch bei meiner Solomusik.
Du bewegst dich in verschiedenen kreativen Welten: Airbag, deine Soloprojekte, Kollaborationen und die unterschiedlichen Ideen, die unterwegs unweigerlich entstehen. Wie findest du ein Gleichgewicht zwischen diesen verschiedenen Bereichen deines musikalischen Lebens?
Das weiß ich nicht. Ich setze mich nicht hin und denke über solche Dinge nach. Ich mache das seit ein paar Jahrzehnten, und es geht nicht nur um Inspiration, sondern auch um viel Arbeit. Im Laufe der Jahre habe ich einige Methoden gelernt, mit denen ich Ideen und Projekte effizient umsetzen kann. Ich glaube, dieser Antrieb ist zugleich Segen und Fluch, aber ich kann mich nicht beklagen. Ich habe das Glück, mich noch immer inspiriert zu fühlen.
Der Titel deines neuen Mini-Albums Lifandi hat sofort meine Aufmerksamkeit geweckt. Das Wort stammt aus dem Altnordischen und ist mit der Vorstellung verbunden, „lebendig“ zu sein. In einer Welt, die zunehmend von Beschleunigung, Unsicherheit und ständigem Wandel geprägt ist: Was bedeutet es für dich heute, lebendig zu sein? Und wie klingt dieser Gedanke im Album nach?
Die Idee, einen altnordischen Titel zu verwenden, geht auf mein letztes Studioalbum Fimbulvinter zurück. Dieses Livealbum ist eng mit Fimbulvinter verbunden, denn es wurde während der dazugehörigen Tour aufgenommen. Der Titel ist auch von meinem liebsten Livealbum Kiss Alive inspiriert, das einer der Hauptgründe war, weshalb ich überhaupt zur Gitarre gegriffen habe. Ace Frehley starb an dem Tag, an dem wir das Konzert aufnahmen, was ein schwerer Schlag war. Deshalb habe ich ihm das Album und den Titel gewidmet. „Alive“ ist auch ein sehr passender Name für Livemusik und für die Begegnung und Beziehung zum Publikum. Das ist echt, und es entsteht eine besondere Verbindung. Vielleicht brauchen wir diese Erfahrung und diesen Kontakt heute mehr denn je.
Lifandi scheint sich in einem empfindlichen Raum zwischen Zerbrechlichkeit und Hoffnung zu bewegen. Wir wissen, dass das Album Ace Frehley gewidmet ist, doch die Musik scheint weit über die Grenzen einer herkömmlichen Hommage hinauszugehen. Welcher emotionale oder kreative Impuls hat das Projekt ursprünglich in Gang gesetzt?
Im Grunde ist es einfach eine Sammlung von Songs aus meiner letzten Tournee, die ich veröffentlichen wollte. Es sind nur vier Stücke, aber mir war wichtig, nicht bloß eine Liveaufnahme herauszubringen, sondern einen Teil des Erlebnisses vor Ort wiederzugeben. Ich habe viel Sorgfalt auf die Songauswahl und die Darbietung verwendet, auch bei Airbag. Obwohl es nur vier Songs sind, sollten sie die Reise oder Erfahrung einfangen, die ich mit der Auswahl der Stücke vermitteln wollte.
Lifandi enthält nur vier Stücke. In einer Zeit, in der Alben offenbar allein um ihrer Länge willen möglichst umfangreich sein müssen, wirkt das wie eine bewusst getroffene Entscheidung. Hast du das kompakte Format gezielt geplant, oder ergab sich die Struktur mit vier Songs einfach aus der Musik selbst?
Ich mochte das EP-Format schon immer. In den Siebziger- und Achtzigerjahren bedeutete eine EP, dass eine Single erweitert wurde oder man eine hochwertigere Ausgabe bekam. Heute werden diese Mini-Alben als etwas zwischen einer Single und einem vollständigen Album präsentiert. Das Format ist nicht so festgelegt wie ein Album, kann aber ein ähnliches Gefühl bewahren: mit einem starken Eröffnungsstück auf jeder Seite und genügend Zeit, damit die Musik eine eigene Dramaturgie entwickeln kann.
„Gone“ scheint ein besonders passender Auftakt für diese Reise zu sein, während „Getaway“ und „Where Are You Now“ eine interessante Verbindung zu den Hörern herstellen, die deine Musik seit Jahren verfolgen. Wie hat Lifandi schließlich seine endgültige Form gefunden? Gab es dabei einen bestimmten emotionalen Spannungsbogen?
Ich wollte unterschiedliche Dinge miteinander verbinden und altes mit neuem Material kombinieren. Diese Songs funktionierten live sehr gut, daher war es eine naheliegende Wahl.
Die neue Interpretation von „Fimbulvinter“ ist im Kontext des Albums besonders interessant. Alben entstehen selten isoliert; Begegnungen, Freundschaften und die Sensibilität der Beteiligten prägen sie mit. Arild Brøter ist denjenigen, die deine Arbeit verfolgen, bereits bekannt. Welche Bedeutung hatten die anderen Musiker, die zu Lifandi beigetragen haben? Wie haben ihre individuellen Stimmen die emotionale Klangwelt des Albums verändert oder bereichert?
Mir ist wichtig, dass jedes Bandmitglied etwas zu diesen Songs und Auftritten beitragen kann. Deshalb habe ich sie nicht nur ausgewählt, weil sie gute Musiker sind, sondern auch, weil sie gute Freunde sind. Meine Studioalben haben ausgefeilte Sounds und aufwendige Mischungen; ein Livekonzert soll dagegen reduzierter und spontaner sein. Wir spielen miteinander und mit dem Publikum. Ich bin sehr zufrieden damit, wie es uns gelungen ist, die Energie und Atmosphäre dieser Konzerte einzufangen. Jeder Song hat tatsächlich ein neues Leben bekommen.
Erneut war Vegard Kleftås Sleipnes für Mix und Mastering verantwortlich. Seine Arbeit verleiht dem Album einen warmen, räumlichen, dynamischen und außerordentlich detailreichen Klang. Wie wichtig ist das Vertrauensverhältnis zu den Menschen, die an den letzten Produktionsschritten einer Aufnahme beteiligt sind?
Ich arbeite seit 15 oder 16 Jahren mit Vegard zusammen. Er ist nicht nur ein guter Freund geworden, sondern auch ein wichtiger Teil meines Sounds und des Sounds von Airbag. Ich kontrolliere alles, was ich mache, sehr genau. Deshalb glaube ich nicht, dass ich mich wohl damit fühlen würde, meine Aufnahmen einfach irgendeinem Produzenten zu schicken, ganz gleich, wie gut er ist. Vegard ist unglaublich talentiert und weiß, was mir gefällt und was ich erreichen möchte. Gleichzeitig bringt er seinen eigenen, unverwechselbaren Charakter und Sound ein.
Ich möchte mich nun dem geheimnisvollsten Bereich des kreativen Prozesses zuwenden. Vieles in deiner Musik hat etwas beinahe Filmisches. Sie kann Orte, Erinnerungen, Gesichter, Landschaften und Gefühle hervorrufen, ohne sie erklären zu müssen. Was kommt beim Komponieren zuerst: Bilder, Emotionen, Klänge, Erinnerungen? Oder ist der Prozess zu instinktiv, um diese Elemente voneinander zu trennen?
Es kann alles Mögliche sein, aber irgendetwas muss eine Emotion auslösen. Musik ist für mich etwas sehr Privates, und ich erschaffe nur selten etwas allein um des Schaffens willen. Wenn eine Idee Gestalt annimmt und ich eine starke Verbindung zu ihr spüre, setze ich mich hin und mache eine erste Aufnahme oder schreibe etwas auf. Wenn die Idee Wut, Freude, Traurigkeit oder etwas anderes in mir auslöst, weiß ich, dass sie auch jemand anderen erreichen wird.
Im Laufe deiner Karriere hat Musik oft eine Sprache für Gefühle bereitgestellt, die sich mit gewöhnlichen Worten nur schwer ausdrücken lassen. Verletzlichkeit, Angst, Beziehungen, Identität, Verlust und Akzeptanz sind in unterschiedlicher Form in deinem Werk aufgetaucht. Hat sich dein Verhältnis zu diesen Themen im Laufe der Zeit verändert? Und was hast du durch die Verwandlung solcher Erfahrungen in Musik über dich selbst gelernt?
Sehr viel. Musik zu machen ist für mich eine Therapie und hat mir ermöglicht, meine eigenen Gefühle, Überzeugungen und Beziehungen zu erkunden. Ich hatte nie vor, über solche Dinge zu schreiben. Es hat sich einfach ganz natürlich ergeben, und noch immer fühle ich mich stärker damit verbunden, über Emotionen und die Kämpfe gewöhnlicher Menschen zu schreiben als über größere Themen wie Religion, Krieg oder Politik und Ähnliches. Bei Airbag gibt es davon allerdings eine Menge.
Deine Solodiskografie, von Lullabies in a Car Crash bis Everything to Everyone, lässt sich beinahe als eine Reihe von Kapiteln innerhalb einer viel größeren inneren Erzählung verstehen. Wenn du diese Alben heute hörst, erkennst du darin unterschiedliche Versionen deiner selbst? Was bedeutet dir heute jede Phase deiner Solokarriere?
Gut beobachtet. So sehr ich all diese Alben schätze, fällt es mir schwer, zu ihnen zurückzukehren und sie anzuhören, weil sie die jeweilige Phase meines Lebens so deutlich widerspiegeln.
In deiner Musik besteht oft eine Spannung zwischen Dunkelheit und Licht, zwischen der Schwere von Erfahrungen und der Möglichkeit, sie zu überwinden. Glaubst du, dass Musik Leid oder schwierige Erlebnisse tatsächlich in etwas Sinnvolles verwandeln kann? Und geschieht diese Verwandlung für denjenigen, der die Musik erschafft, auf dieselbe Weise wie für denjenigen, der sie hört?
Musik war für mich schon immer eine Art Zuflucht, sowohl als Hörer als auch als Musiker. Meine Lieblingsbands, Künstler und Alben waren gute Freunde in schwierigen Zeiten. Oft spreche ich mit Menschen, die dasselbe über unsere Musik und die Songs sagen, die ich geschrieben habe. Es ist ein demütigendes Gefühl zu wissen, dass meine Musik anderen etwas bedeutet. Bei Musik geht es um Emotionen, unabhängig von Genre oder Können.
Das Universum von Airbag
Gleichzeitig hat Airbag innerhalb des zeitgenössischen Progressive Rock eine ganz eigene Identität entwickelt. Deine Solomusik wirkt intimer und introspektiver, während bei Airbag eine andere kreative Dynamik entsteht. Wie stehen diese beiden Welten miteinander im Austausch?
Ich denke nicht wirklich über solche Dinge nach. Es ist eher ein Gefühl. Wenn eine Idee entsteht, weiß ich sofort, ob sie für Airbag oder für mein Soloprojekt gedacht ist. Warum, weiß ich nicht. Trotzdem ist es mir wichtig, mit diesen Projekten unterschiedliche Seiten meiner Musik zu erkunden. Meine Soloalben sind daher meist persönlicher, während Airbag sich häufig mit umfassenderen Themen beschäftigt. Ich glaube auch, dass es für Asle schwierig wäre, diese Songs zu singen, wenn sie alle von meinen eigenen Gefühlen und Erfahrungen handeln würden.
Die Entwicklung von Airbag ist bemerkenswert. Von den frühen Aufnahmen der Band bis zu Alben wie Disconnected, A Day at the Beach und The Century of the Self scheint die Bereitschaft gewachsen zu sein, psychologische, gesellschaftliche und existenzielle Bereiche zu erkunden. Wo siehst du rückblickend die größte Veränderung in der künstlerischen Identität der Band?
Ich glaube, wir haben mehrere Veränderungen durchgemacht – von Identity zu All Rights Removed und von Disconnected zu A Day at the Beach. Auch bei dem Album, an dem wir gerade arbeiten, habe ich das Gefühl, dass wir einen großen Sprung gemacht haben. Das ist wohl ganz natürlich, wenn wir uns als Band, als Künstler und als Menschen weiterentwickeln. Heute sind wir an einem ganz anderen Punkt als zu Beginn.
Jedes dieser Alben scheint die menschliche Verfassung und die Welt um uns herum aus einer anderen Perspektive zu betrachten. Welche persönlichen Erfahrungen, Ideen oder Sorgen lagen diesen Platten zugrunde?
Ich glaube, das gemeinsame Thema all unserer Alben ist der introspektive Blick auf den Einzelnen und seinen Platz in unserer Gesellschaft und in der Welt. Die größeren Themen wie Krieg, Religion, Politik oder übermäßiger Konsum spiegeln oft den konkreten Moment wider, in dem wir das jeweilige Album geschrieben haben. Dazu gehören unsere Gespräche in der Band bei einem Bier und die Themen, die gerade in den Medien präsent waren. In vielerlei Hinsicht spiegeln die Alben unseren Weg wider und zeigen, wie wir uns einzeln und gemeinsam als Band entwickelt haben.
Ich möchte besonders auf The Century of the Self zurückkommen, dein jüngstes Studioalbum mit Airbag. Seit seiner Veröffentlichung sind mehr als zwei Jahre vergangen, und die Welt um uns herum hat sich mit außerordentlicher Geschwindigkeit weiter verändert. Mit der Zeit verändert sich oft auch unser Blick auf die eigene Arbeit. Was hörst du heute in diesem Album, das dir zum Zeitpunkt seiner Entstehung vielleicht noch nicht aufgefallen ist?
Viele Dinge, die Fehler waren und die man zweifellos anders hätte machen sollen. Egal, wie stolz man auf etwas ist, es gibt immer den Drang, Dinge zu korrigieren. Ich glaube aber nicht, dass das für die Fans richtig wäre. Unser erstes Album haben wir neu abgemischt, weil es das wirklich nötig hatte. Abgesehen davon sollte man meiner Meinung nach nicht zurückgehen und versuchen, alles besser zu machen. Es ist interessant, wenn Bands wie Pink Floyd einen alten Album-Mix neu veröffentlichen, aber ich höre mir so etwas einmal an und kehre dann immer zum Original zurück.
Progressive Rock wird traditionell mit Erkundung, Experimentierfreude und dem Wunsch verbunden, etablierte musikalische Grenzen zu überschreiten. Das Wort „progressiv“ lässt sich aber auch sehr persönlich verstehen. Was bedeutet künstlerischer Fortschritt für dich?
Beim Schreiben denke ich nicht allzu viel darüber nach. Das wäre mir zu kalkuliert, und ich würde das ursprüngliche Gefühl und die erste Emotion verlieren. Während der Aufnahme und des Mischens versuchen wir, wiederkehrende oder allzu offensichtliche Elemente zu erkennen und etwas anderes daraus zu machen. In diesem Sinne fordern wir uns wohl selbst heraus. Manchmal sind es nur kleine Dinge – ein ungewöhnlicher Klang oder Ton oder die Art, wie wir bestimmte Passagen neu anordnen. Es ist gut, ein wenig über die eigene Komfortzone hinauszugehen, aber das sollte nicht erzwungen sein oder zu viele Zugeständnisse an die eigene Identität verlangen. Merkwürdig ist nur, dass mir trotz des Etiketts „progressiv“ kein anderes Genre einfällt, dessen Fans so konservativ sind wie unsere.
Die Musikindustrie hat sich im Laufe deiner Karriere so stark verändert, dass sie kaum wiederzuerkennen ist. Wie Musik aufgenommen, vertrieben, beworben und konsumiert wird, hat sich grundlegend gewandelt. Welche positiven Folgen dieser Entwicklung siehst du heute? Und was haben wir deiner Meinung nach dabei verloren?
Unabhängigkeit war für uns immer wichtig. Andernfalls hätten wir, glaube ich, nicht lange durchgehalten. Wir haben eine wunderbare Beziehung zu unserem Label Karisma Records, und ich denke, das ist eine positive Seite der neuen Branche. Ich habe viele Jahre bei großen Plattenfirmen gearbeitet und gesehen, wie schlecht Künstler und Bands behandelt wurden. Man kann aber auch nicht einfach zu den alten Verhältnissen zurückkehren und erwarten, dass dann alles viel besser wird. Heute gibt es all diese anderen Wege, besonders die sozialen Medien, die uns Aufmerksamkeit rauben.
Wir leben in einer Kultur, die von Unmittelbarkeit und ständiger Reizüberflutung besessen ist und in der die Aufmerksamkeit immer stärker zersplittert. Deine Musik scheint dazu einzuladen, langsamer zu werden und in eine andere Zeit einzutreten. Kann Musik deiner Meinung nach noch ein Ort der Kontemplation sein, vielleicht sogar eine stille Form des Widerstands gegen den Lärm um uns herum?
Unbedingt. Das gilt für jede Kunstform, ob Musik, Buch oder Gemälde. Ich glaube, wir brauchen das. Bei der jüngeren Generation sieht man es daran, dass sie wieder physische Tonträger kauft. Jede Generation konsumiert Kunst auf ihre eigene Weise, aber die Möglichkeit, dem Alltag zu entfliehen, bleibt dieselbe. Wir bekommen viele Nachrichten von Fans, die aus unterschiedlichen Gründen Trost in unserer Musik gefunden haben. Es ist ein demütigendes Gefühl, zu wissen, dass unsere Musik für jemanden etwas bedeuten kann.
Norwegen hat eine ausgesprochen vielfältige Musikkultur hervorgebracht – vom Extreme Metal und experimentellen Jazz bis hin zu elektronischer Musik und Progressive Rock. Wie viel von diesem kreativen Reichtum lässt sich deiner Meinung nach auf die kulturelle und historische Identität des Landes zurückführen? Und beeinflusst die Geografie die Vorstellungskraft norwegischer Musiker?
Das ist eine riesige Frage. Ich habe gerade ein Buch darüber gelesen, wie die frühen Stämme und Siedlungen Norwegens unsere Kultur und Persönlichkeit geprägt haben könnten. Vielleicht sind die vielen Berge, das raue Klima und die Tatsache, dass die Menschen in kleinen, kaum miteinander verbundenen Gemeinschaften lebten, der Grund dafür, dass wir uns noch immer gern zurückziehen und diese düstere Kunst schaffen.
Oft ist von einer eindeutig „nordischen“ künstlerischen Sensibilität die Rede, die mit Melancholie, Stille, Einsamkeit, weiten Landschaften und einer besonderen Beziehung zur Natur verbunden wird. Gibt es deiner Meinung nach tatsächlich etwas Gemeinsames unter Künstlern der skandinavischen Länder, oder ist die Vorstellung eines „nordischen Sounds“ größtenteils eine Projektion von Hörern und Beobachtern aus anderen Regionen?
Ich glaube, jede Kultur hat ihre eigenen Besonderheiten, aber das hängt meiner Meinung nach vom Hörer oder Betrachter ab. Wir setzen uns nicht in Komitees zusammen, beschließen solche Dinge und gehen dann hinaus, um sie zu erschaffen. Die skandinavische Kunst hat Wurzeln, die Hunderte, wenn nicht Tausende Jahre zurückreichen. Sie wurde von unserer Natur, von der Entwicklung unserer Gesellschaft und von allem geprägt, was wir von anderen Kulturen gelernt haben.
Was treibt dich nach so vielen Jahren des Komponierens und der Auseinandersetzung mit der emotionalen Komplexität des Menschseins noch immer dazu, Musik zu machen?
Ich habe keine Ahnung. Dieser Drang ist heute genauso stark wie vor zwanzig Jahren. Ich muss Musik machen.
Vielleicht stellt jeder Künstler irgendwann fest, dass manche Fragen wichtiger sind als ihre Antworten. Gibt es eine grundlegende Frage, der du mit jedem neuen Song nachzugehen versuchst? Oder hat dich die Musik allmählich gelehrt, dass manche Fragen gerade deshalb wertvoll sind, weil sie sich nie endgültig beantworten lassen?
Kreativ zu sein und einen Ausdrucksweg zu haben – sei es, einfach mit der Gitarre dazusitzen oder vor Publikum zu spielen – lehrt einen viel über sich selbst und andere. Man kann tiefer in sich selbst eindringen oder alle möglichen Themen erkunden. Es geht nicht um die Antwort, sondern um das Bedürfnis, etwas zu erforschen und zu sehen, wohin es einen führt.
Apropos Neuigkeiten: Du hast gerade Divergence veröffentlicht. Welchen neuen musikalischen Weg schlägst du damit ein, und was kannst du uns über diese Veröffentlichung erzählen?
Ich liebe das EP-Format. Es bietet mehr Freiheit und weniger Druck, etwas zu schaffen, das so ambitioniert ist wie ein vollständiges Album. Vier Songs oder 30 Minuten reichen trotzdem aus, um etwas zu gestalten, das über eine bloße Sammlung von Stücken hinausgeht. Divergence verbindet Material, das ich für Fimbulvinter geschrieben habe, mit neuen Kompositionen. Die Single „Mercy“ ist eine Ballade, die vom Stil amerikanischer Singer-Songwriter inspiriert ist – eine musikalische Tradition, die ich sehr liebe. Sie unterscheidet sich nicht allzu sehr von dem, was ich auf einigen meiner anderen Alben gemacht habe, aber diesmal habe ich mich, glaube ich, ganz auf diesen Ansatz eingelassen. Der EP-Auftakt „Carry Me“ ist interessant: ein durchgehender, schwebender Klangteppich (ein Drone) und ein langsamer Rhythmus. Das gibt mir die Möglichkeit, etwas leicht anderes zu machen und Ideen zu erkunden, die ich bei der Arbeit an einem Album wahrscheinlich verworfen hätte.
Die erste Single „Mercy“ entstand mit der Sängerin Mimmi Tamba. Es ist ein zutiefst bewegender und gefühlvoller Song über das Überwinden von Widrigkeiten und unser Menschlichkeitsgefühl.
Auf diesen Song bin ich sehr stolz. Dieser von Nashville inspirierte Sound eignet sich einmal mehr hervorragend für intime, verletzliche Texte. Und natürlich musste der Song mit einem Gitarrensolo enden!
Ich habe mit Mimmi an mehreren Projekten gearbeitet, und sie ist eine außergewöhnliche Künstlerin. Dieser Song vermittelt viel Hoffnung. Nach einem Trauma zu heilen, braucht Zeit. In gewisser Weise ist das Stück ein Dank an die Menschen, die einen auf diesem Weg begleiten, aber auch eine freundliche Bitte um Geduld.
Und wie sieht es mit Airbag aus? Nach der Veröffentlichung von „Dysphoria“ und den für die zweite Jahreshälfte geplanten Terminen in England und Polen: Was steht für die Band an? Gibt es etwas am Horizont – eine neue Richtung, eine Aufnahme, eine Tour oder vielleicht eine Überraschung –, das du uns verraten kannst?
Wir sind kurz davor, unser neues Studioalbum fertigzustellen. Ich glaube, es wird im Frühjahr erscheinen. Es klingt wirklich großartig! Wahrscheinlich werden wir im kommenden Jahr auch auf Tour gehen, um das Album zu unterstützen.
Bjørn, vielen Dank für deine Zeit, deine Offenheit und dafür, dass du deine Gedanken so ausführlich mit uns geteilt hast. Es war ein echtes Vergnügen, mit dir zu sprechen. Gibt es noch etwas, das du unseren Lesern sagen möchtest – vielleicht einen Gedanken, ein Gefühl oder eine Idee, die wir nicht angesprochen haben, die deiner Meinung nach aber zu diesem Gespräch gehört?
Ich möchte mich einfach bei all unseren Fans für ihre Unterstützung und Treue bedanken. Das bedeutet uns wirklich sehr viel, und wir nehmen es niemals als selbstverständlich hin. Ich hoffe, wir sehen euch alle unterwegs.
Das Interview führte Juan Barrenechea mit Bjørn Riis.
