Die letzten fünfzehn Jahre Mostly Autumn und die Geschichte hinter „The Clock Ticks On“ – ein Rückblick auf die Musik aus der Ära mit Olivia Sparnenn-Josh als Leadsängerin. Für Stone Prog schrieben und mailten Conny Kökert und Udo Eckardt mit Livvy und Bryan über die Entwicklung der Band, die emotionale Kraft ihrer Songs und die Geschichte, die innerhalb von Mostly Autumn bis heute weitergeschrieben wird.
Bryan: „The Clock Ticks On“ wirkt weniger wie ein traditionelles „Best of“-Album, sondern eher wie eine sorgfältig gestaltete Erzählung. Seht ihr diese fünfzehn Jahre als eine klar definierte Ära in der Geschichte der Band?
Es war definitiv ein neues Kapitel – gewissermaßen ein klarer Schlusspunkt und zugleich ein Neuanfang. Aber auch diese fünfzehn Jahre haben sich aus sich selbst heraus weiterentwickelt. Ich denke, schon im vorherigen Abschnitt befanden wir uns in einem ständigen Entwicklungsprozess, nur eben auf eine andere Art.
Bryan: In deinem Vorwort beschreibst du den Auswahlprozess als instinktiv und nicht systematisch. Wann wurde dir klar, dass emotionale Tiefe wichtiger war als Chronologie oder Popularität?
Eigentlich wurde mir das sofort bewusst. Als ich mir all die möglichen Songs angesehen habe, wurde mir schnell klar, dass es einfach viel zu viele Entscheidungen gegeben hätte – bei so viel Material. Also habe ich irgendwann draußen ein Feuer gemacht, mir ein Bier geschnappt und einfach den Song aufgelegt, der meiner Meinung nach der erste sein sollte. Danach habe ich geschaut, was sich als Nächstes richtig anfühlt – und so weiter. Du hast also recht: Es war eine instinktive, aber dennoch sorgfältig gestaltete Dramaturgie, kein bloßes Best Of. Mir war wichtig, dass jeder Song den vorherigen ergänzt und gleichzeitig auf den nächsten hinführt.
Livvy: Als du um 2009 ins Rampenlicht getreten bist, mag es von außen betrachtet wie eine einfache Umbesetzung gewirkt haben. Würdest du im Rückblick diesen Moment als eine Neuerfindung der Band empfinden – oder fühlte es sich eher wie eine natürliche Weiterentwicklung von innen heraus an?
Es fühlte sich ganz eindeutig wie eine große Neuerfindung an. Heather war eine unglaublich prägende Persönlichkeit, und wir haben mehrere Jahre gemeinsam auf der Bühne gestanden und dabei wunderbare Erinnerungen geschaffen. Als sie sich entschied, die Band zu verlassen, entstand für mich einerseits ein großer Druck, diese Rolle zu meiner eigenen zu machen – und gleichzeitig war da auch eine große Traurigkeit darüber, dass diese Ära zu Endeging. Bryan bleibt beim Schreiben seiner Musik immer seinen Ideen und seiner Inspiration treu, aber ich habe das Gefü
hl, dass wir erst nach ein paar Alben wirklich den besten Weg gefunden haben, meine Stimme einzusetzen.
Bryan: Die drei CDs sind thematisch gegliedert: Reflexion, menschliche Verbundenheit und eine beinahe apokalyptische Intensität. War euch diese Struktur in jenen Jahren bewusst, oder wurde sie erst im Nachhinein sichtbar?
Das hat sich beim Schreiben einfach so ergeben. Die meisten Ideen tauchen praktisch aus dem Nichts auf – ich nehme sie einfach auf und folge ihrer Richtung, mit ein wenig handwerklicher Feinarbeit hier und da. Jetzt im Rückblick ist es schon interessant, das Ganze zu betrachten und zu sehen, was wir damals gemacht haben. Und ehrlich gesagt frage ich mich manchmal immer noch: Wo zum Teufel kam das alles eigentlich her?
Livvy: Viele Bands setzen bei Live-Auftritten stark auf ihre frühen Klassiker, da das Publikum sich oft nach den „goldenen Jahren“ sehnt. Bei Mostly Autumn ist das jedoch anders – das neuere Material wirkt live genauso stark, wenn nicht sogar stärker. Wie empfindest du es persönlich, heute Songs aus der Anfangszeit zu spielen – insbesondere jene, die entstanden sind, bevor du die Rolle der Leadsängerin übernommen hast? Empfindest du sie mittlerweile als Teil deiner eigenen künstlerischen Identität oder eher als Brücke zur Bandgeschichte?
Da stimme ich zu. Wenn ich selbst zu Konzerten meiner Lieblingsbands gehe, gibt es immer bestimmte Songs, die man unbedingt live hören möchte – und meistens auch ein paar Stücke, die bei nahezu jeder Show gespielt werden. Abgesehen von Heroes Never Diegibt es bei uns, glaube ich, gar nicht so viele Songs, von denen das Publikum erwartet, sie bei jedem Konzert zu hören. Ich denke also, dass wir diesen Wunsch ganz gut erfüllen.
Was ich oft von Leuten höre, ist, dass wir bei unseren Shows eine sehr schöne Mischung aus altem und neuem Material spielen – und das freut mich natürlich sehr. Es gibt so viele Songs zur Auswahl, dass es unmöglich ist, jeden Lieblingssong unterzubringen. Deshalb versuchen wir, Stücke aus allen Bandphasen einzubauen und die Setlist jedes Jahr auch ein wenig zu verändern.
Auch wenn ich an der Entstehung einiger der älteren Songs nicht beteiligt war, werde ich immer ein wenig nostalgisch, wenn ich daran denke, dass ich manche von ihnen schon vor über zwanzig Jahren als Backgroundsängerin auf der Bühne mitgesungen habe. Ich versuche mir dann vorzustellen, wie viel stärker dieses Gefühl für Bryan sein muss, wenn man bedenkt, wie lange ihn diese Songs schon begleiten.
Ich fühle mich jedenfalls sehr glücklich, einige der wunderschönen Stücke singen zu dürfen, die er geschrieben hat. Night Sky zu performen ist im Moment einer meiner Lieblingsmomente im Set – aber gleichzeitig entsteht eine ganz andere Verbindung zu den neueren Songs, besonders zu denen, an denen ich selbst mitgeschrieben habe.“
Bryan: Euer Songwriting in den Livvy-Jahren scheint sich stärker in Richtung cineastischer und orchestraler Klänge entwickelt zu haben. War das eine bewusste künstlerische Entscheidung oder ergab es sich einfach aus den behandelten Themen?
Eher Letzteres. Die Songs hatten einfach das Gefühl, dass sie diese Größe brauchten. Ich habe orchestrale Klänge schon immer geliebt – und ganz ehrlich: Wenn es das Budget zulassen würde, hätte ich bei vielen unserer Stücke gern ein großes Live-Orchester dabei. Ich bin ein großer Fan von Hans Zimmer und mag es sehr, ein wenig von diesem kraftvollen, provokativen Sound in unsere Musik einfließen zu lassen.
Livvy & Bryan: Alben wie „Graveyard Star“ wirkten weniger wie ein Kommentar, sondern eher wie die emotionale Verarbeitung eines globalen Ereignisses. Hat die Pandemie eure Sicht auf eure Rolle als Künstler verändert?
Für mich hat sich vor allem gezeigt, wie sehr wir das alles wieder zu schätzen wussten, als wir endlich wieder auftreten konnten. Zwar hatten wir in dieser Zeit die Möglichkeit, Graveyard Star zu schreiben und aufzunehmen, aber die menschliche Seite des Tourens – der direkte Kontakt mit dem Publikum – hat uns wirklich sehr gefehlt.
Ich hatte damals das Gefühl, dass das Einzige, was ich tun konnte, darin bestand, all das, was um uns herum geschah, auf irgendeine Weise zu dokumentieren. Ich bin froh, dass ich die Musik hatte, um das auszudrücken. Über etwas anderes hätte ich zu diesem Zeitpunkt gar nicht schreiben können. Meine Hoffnung war, dass dieses Album eine Verbindung zu den Menschen herstellen kann – und vielleicht auch hilft, Emotionen ein wenig in Bewegung zu bringen, so wie es für uns selbst der Fall war.
Livvy: Songs wie „White Rainbow“, „Seawater“ oder „Turn Around Slowly“ haben live eine rituelle Intensität. Erlebt ihr diese Stücke auf der Bühne anders als auf Platte?
Ja, da stimme ich zu. Ich glaube, diese Songs erreichen live tatsächlich noch einmal eine ganz andere Intensität. Wenn wir zusätzlich die Projektionen unseres guten Freundes Roger Newport dabei haben, bekommen die Stücke auf der Bühne noch einmal eine ganz eigene Lebendigkeit.
Bryan: Gab es in den Livvy-Jahren insgesamt ein bestimmtes Album, das sich wie ein Wendepunkt anfühlte – kreativ oder persönlich?
Ja, ich glaube, dass sich vieles mit Dressed in Voices wirklich zusammengefügt hat. Irgendetwas hat dort einfach Klick gemacht – und dieser Schwung hat sich danach fortgesetzt. Mit den vorherigen Alben habe ich überhaupt kein Problem, aber rückblickend wirken sie ein wenig so, als hätten wir damals noch unseren Weg gesucht.
Bryan & Livvy: Mostly Autumn hat über die Jahre viele kraftvolle und emotionale Songs geschaffen. Aber die Art und Weise, wie ein Song erlebt wird, kann sehr unterschiedlich sein, je nachdem, ob man ihn schreibt oder live spielt.
Bryan, wenn du auf die Alben aus der Livvy-Ära zurückblickst, welches Lied bedeutet dir als Songwriter am meisten – welches, das dir auch heute noch am meisten bedeutet?
Schwierige Frage – davon gibt es einfach zu viele. White Rainbow, Turn Around Slowly, Swallows, Mars, Young, Seawater … die Liste ließe sich noch lange fortsetzen. Bei solchen Songs tauche ich vollkommen in sie ein, ganz gleich, ob ich sie selbst geschrieben habe oder nicht. Die Leidenschaft und die Emotion sind einfach da.
Und Livvy, welches Lied ist für dich als Sängerin, die diese Lieder auf der Bühne zum Leben erweckt, das bedeutungsvollste oder emotional kraftvollste geworden, das du je aufgeführt hast?
Das ist wirklich eine knifflige Frage, denn viele unserer Songs handeln von Verlust und sehr persönlichen Gefühlen. Wenn ich im Moment einen auswählen müsste, wäre es wahrscheinlich If Only For a Day.
Livvy & Bryan: Ihr seid nicht nur künstlerische, sondern auch Lebenspartner. Wie hat diese Nähe die Musik über die Jahre beeinflusst? Macht sie künstlerische Meinungsverschiedenheiten leichter oder schwieriger?
Aus meiner Sicht eröffnet uns das musikalisch sogar noch mehr Möglichkeiten. Ich glaube, dass dadurch beim gemeinsamen Arbeiten an Ideen eine tiefere Verbindung entsteht. Schon in einer sehr frühen Phase eines Songs können wir ausprobieren, was am besten zu meiner Stimme passt. Bryan ist immer offen für Vorschläge, die ich einbringe – aber am Ende entscheidet er natürlich auch, was seiner Meinung nach am besten funktioniert, damit ein Song sein größtes Potenzial entfalten kann.
“Definitiv einfacher. Wir inspirieren uns gegenseitig und geben uns bei frühen Ideen wertvollen Input. Als Menschen passen wir ohnehin sehr gut zusammen – wir sind uns in vieler Hinsicht erstaunlich ähnlich, ob man es glaubt oder nicht.
Livvy & Bryan: Ich erinnere mich noch gut an einen Moment aus unserem letzten Interview vor neun Jahren. In „Forever and Beyond“ sangst du die Zeile „Wir zwei werden wachsen“, kurz darauf gefolgt von „Wir drei …“. Damals deutete ich das als subtilen Hinweis darauf, dass ein neues Kapitel in deinem Leben beginnen würde – und du hast es freundlicherweise bestätigt. Ein Kind über die Jahre aufwachsen zu sehen, verändert unweigerlich die eigene Zeitwahrnehmung. Plötzlich wird einem bewusst, wie schnell das Leben an einem vorbeizieht und wie viel in einem Wimpernschlag passiert.
Wenn ihr auf die Musik des letzten Jahrzehnts zurückblickt – genau die Zeit, die nun auf „The Clock Ticks On“ eingefangen ist – habt ihr manchmal das Gefühl, dass eure persönliche Entwicklung als Eltern auch die emotionale Perspektive der Band geprägt hat? Hat die Familiengründung eure Sicht auf Zeit, Kreativität und die Themen eurer Songs verändert?
„Absolut. Wir lassen uns beim Schreiben immer von Dingen inspirieren, die uns wirklich etwas bedeuten. Ein Kind zu haben bringt so viele unterschiedliche Emotionen mit sich – und wie es auch im Song Future Is a Child heißt, geht es sehr darum, die Welt durch die Augen des eigenen Kindes zu sehen.“
Ja, auf jeden Fall. Zeit wird plötzlich fast daran gemessen, welchen Weg man gemeinsam mit seinem Kind zurücklegt – und diese Gefühle finden natürlich auch ihren Weg in die Songs. Ich hatte schon immer eine ‚Carpe-Diem‘-Haltung zur Zeit, dieses Nutze-den-Moment-Gefühl. Aber heute wirkt das alles noch einmal verstärkt – und es geht dabei nicht mehr nur um einen selbst, sondern genauso um die Menschen um einen herum.
Livvy & Bryan: (Abschließende Frage): Nachdem ihr für „The Clock Ticks On“ fünfzehn Jahre Musik Revue passieren lasst, habt ihr ein ganzes Kapitel eures Lebens Revue passieren lassen – nicht nur als Musiker, sondern auch als Menschen. Hört ihr diese Songs heute hauptsächlich als Erinnerungen an die Vergangenheit oder fühlen sie sich immer noch wie Teil einer fortlaufenden Geschichte an?
Und vielleicht die einfachste Frage von allen: Wohin führt der Weg für Mostly Autumn eurer Meinung nach als Nächstes?
The Clock Ticks On zu hören, ist für mich eine riesige Mischung aus Erinnerungen – und ich kann immer noch kaum glauben, dass sich das alles über einen Zeitraum von fünfzehn Jahren erstreckt. Ich hoffe sehr, dass die Band auch weiterhin neue Menschen erreichen wird. In diesem Jahr stehen mehrere neue Konzerte auch in Deutschland an, was unglaublich spannend ist, und natürlich arbeiten wir ständig auch an neuem Material.
Es war sehr emotional, dieses Album zusammenzustellen. Es hat unglaublich viele nostalgische Gefühle ausgelöst und mir noch einmal besonders bewusst gemacht, wohin die Jahre verschwunden sind. Jeder einzelne Song weckt Erinnerungen, aber ich liebe den Gedanken, dass sie zusammen fast wirken, als würden wir ein komplett neues Album veröffentlichen.
Sie sind Teil einer fortlaufenden Geschichte – so wie es eigentlich alle Songs aus unseren verschiedenen Bandphasen sind, seit ich 1990 The Night Sky geschrieben habe.
Die Uhr zeigt nach vorn, in neue, unerforschte Gefilde: als Erstes natürlich ein neues Album – und die Suche nach Menschen, die uns bislang noch nie gehört oder live gesehen haben. Und natürlich auch weiterhin mit großer Freude für die unglaublichen Fans zu spielen, die uns bis hierher begleitet haben.
Musik ist meine Schwerelosigkeit, Musik ist Kommunikation. Und so tickt die Uhr weiter – getragen von Erinnerung, Leidenschaft und der Gewissheit, dass diese Geschichte noch lange nicht zu Ende erzählt ist.
